TE INVITAMOS A INAUGURAR
PINAMAR CONTEMPORÁNEO
Una plataforma internacional de arte contemporáneo que invita a artistas a crear desde Pinamar.
Durante meses, seis artistas de Argentina, México, Colombia y Filipinas trabajaron desde Pinamar. De ese proceso surgieron obras creadas en relación con el bosque, los médanos, la ciudad y el mar.
PROGRAMA
Dress code: casual.
DERIVA
Mariana Bellotto + Grupo Performático Sur
Performance site-specific
Cartel de Pinamar
CÓMO LLEGARAPERTURA DE LA TEMPORADA 1
Nido de Hornero · Marta Minujín
Explanada del Playas Art Hotel
CÓMO LLEGARLOS ARTISTAS
Eduardo Basualdo · Argentina
ganador premio pinamar #2254 en alianza con artebaEduardo Basualdo (Argentina, 1977)
Vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires. Su producción combina influencias del teatro y la literatura. Trabaja con instalaciones, esculturas, dibujos y objetos que invitan al espectador a participar corporalmente en escenarios cargados de tensión narrativa, donde algo acaba de ocurrir o está por suceder. Sus obras dan idea de un inestable equilibrio a punto de quebrarse y, en ocasiones, convocan al riesgo como amplificador de los sentidos. Una de las búsquedas del artista es remitir a la acción, al movimiento, incluso con piezas estáticas.
Durante su carrera desarrolló una poética que reflexiona acerca de los principios que rigen el espacio, el cuerpo y la razón, elementos que entran en diálogo para configurar una experiencia de libertad y opresión. A través de su obra investiga la tensión entre el lenguaje y el cuerpo como constructores de realidad. En las piezas escultóricas trabaja con objetos cotidianos para componer escenas que trascienden lo doméstico, utilizando ese lenguaje para convocar conflictos filosóficos. Su obra está íntimamente ligada a la experiencia del espacio, tanto físico como psicológico. Sus instalaciones asumen recurrentemente el formato de sets donde se desarrollan escenas de ficción que son completadas con la presencia del cuerpo de los espectadores. Uno de los ejes de su trabajo consiste en la indagación en formas de representar el espacio mental. Sus obras proponen hipótesis para acercarnos a cómo funciona la mente humana aplicando a la materia física propiedades propias del pensamiento y la memoria.
Cruz del Sur
Ganador Premio Pinamar #2254 en alianza con arteba. Altera formas elementales de la arquitectura —el muro, el umbral, el refugio— hasta volverlas inquietantes. Instalada en un cruce de caminos, la obra transforma la Cruz del Sur, antigua referencia de orientación, en una imagen de la incertidumbre contemporánea.
Cruz del Sur, 2026
Aluminio anodizado color negro, hormigón armado.
Tania Candiani · México
Tania Candiani (México, 1974)
Vive y trabaja en la Ciudad de México. Su práctica gira en torno a nociones expansivas de traducción y se despliega en territorios experimentales donde convergen lenguajes visuales, sonoros, textuales y simbólicos. Sus proyectos profundizan en las resonancias del sonido y en las políticas de la escucha, explorando cómo transforman percepciones humanas y más-que-humanas, en sintonía con historias, ecologías y tecnologías de la comunicación. Anclada en prácticas comunitarias y corporales entendidas como experiencias colectivas, afectivas y rituales, su obra se vincula con las historias de la fabricación y el hacer, enfatizando la transmisión de conocimiento a través de tradiciones, oficios e historias orales entrelazadas; a la vez, cultiva colaboraciones interdisciplinarias entre arte, literatura, música, arquitectura, ciencia y trabajo para activar diálogos entre campos dispares y hacer emerger epistemologías ocultas u olvidadas.
Un eje central de su práctica es la yuxtaposición de técnicas ancestrales con tecnologías contemporáneas, investigando sus intersecciones, fricciones y potencial transformador. Su trabajo muestra cómo las herramientas del pasado persisten, se adaptan y se reconfiguran en nuevos contextos, trazando puentes especulativos entre tradiciones materiales y formas emergentes de creación. A través de procesos de hibridación y contraste, cuestiona estructuras dominantes de conocimiento y poder, y abraza la multiplicidad y el movimiento dentro de paisajes culturales en constante evolución. Sus instalaciones, performances y proyectos de investigación suelen materializarse como sistemas complejos—entrelazados, ensamblados y sonificados—que ponen en primer plano el sonido, el lenguaje y la materialidad como núcleos en la construcción del sentido y de la memoria colectiva, operando a la vez como espacios de preservación y reinvención que desafían nociones lineales de progreso y relatos históricos únicos.
Zona de timidez
Parte de una paradoja: la distancia también puede ser una forma de vínculo. Entre cuerpos que crecen próximos sin tocarse, la obra convierte el intervalo en espacio de escucha. Allí donde el contacto no ocurre, aparece otra posibilidad de relación: vibrar con aquello que permanece diferente, sin absorberlo ni dominarlo.
Zona de timidez, 2026
Acero inoxidable, cuerdas de piano
Matías Duville · Argentina
Matías Duville (Argentina, 1974)
Vive entre Buenos Aires y Mar del Plata. Trabaja con objetos, videos e instalaciones, aunque su producción se ha desarrollado principalmente a partir del dibujo. Sus obras evocan escenas de desolación, con atmósferas enrarecidas y atemporales, como aquellas que preceden a un desastre natural. El trabajo de Duville se caracteriza por la experimentación con diferentes medios y materiales. A través de trazos expresivos y procedimientos que revelan cierta brutalidad, modifica la superficie dejando huellas en la representación, marcas que entrelazan la naturaleza de la materia con el paisaje. La tensión entre opuestos, la mutación y el tiempo son algunos de los temas presentes en sus obras más recientes.
El errante
Interroga la antigua asociación entre rueda, movimiento y progreso. Separada de todo mecanismo y destino, la forma convierte el desvío en método: errar es vagar, equivocarse y buscar otros recorridos posibles. ¿Qué significa avanzar cuando la idea de progreso ha perdido su aparente certeza?
El errante, 2026
Metal, plástico, pigmento
Medidas: 2 m diámetro x 240 m largo
María Elvira EscallónColombia
María Elvira Escallón (Londres, 1954)
Vive y trabaja en Bogotá. Realiza acciones efímeras o intervenciones escultóricas en lugares inaccesibles, que luego documenta fotográficamente o en video. Escultora, instaladora y fotógrafa, su práctica se caracteriza por investigaciones de larga duración y procesos extendidos. Instala dispositivos que activan nuevas formas de observación para el espectador. Muchas de sus estrategias expositivas emergen de intuiciones o sueños. Su obra gira en torno a temas como el tiempo, la memoria, la ruina y la vulnerabilidad de los monumentos, así como la relación entre cultura y naturaleza. Sus trabajos más recientes se concentran en restablecer/enfatizar el parentesco largamente olvidado entre los seres humanos y los seres vegetales.
Una biblioteca en el bosque
Propone leer el territorio como un archivo vivo, atravesado por desplazamientos, proyectos civilizatorios y memorias. Al reunir voces de distintos tiempos y geografías, la obra tensiona el acto de nombrar: escribe sobre los árboles para invitarnos, paradójicamente, a percibir aquello que existe antes del nombre.
Una biblioteca en el bosque. De la Serie Encuentros con seres notables, 2026
Eucaliptos, arena, pegamento
Marta MinujínArgentina
Marta Minujín (Argentina, 1943)
Vive y trabaja en Buenos Aires. Artista visual pionera del arte contemporáneo latinoamericano, su práctica se caracteriza por el cruce entre instalación, performance, happening y experiencias participativas de gran escala. Desde los años sesenta desarrolla una obra radical, lúdica y experimental, marcada por el color, el humor, la cultura de masas y el uso de materiales efímeros como colchones, inflables y estructuras blandas. Entre sus obras más emblemáticas se encuentran La Destrucción (1963), Revuélquese y viva! (1964), La Menesunda (1965), Minuphone (1967) y El Partenón de Libros Prohibidos (2017).
Nido de hornero (de la obra Comunicando con tierra)
Marta Minujín presentó Comunicando con tierra en Buenos Aires en 1976. El proyecto se había iniciado con un viaje a Machu Picchu, donde la artista, con autorización de las autoridades, recogió tierra de puntos que consideraba especialmente cargados de energía. A su regreso la exhibió junto a fotografías, textos y un gigantesco nido de hornero con un video en su interior. Posteriormente envió porciones de esa tierra a artistas de distintos países americanos, quienes debían mezclarla con tierra de su entorno y remitirla a la artista, quien regresaría a Perú para restituir esa materia heterogénea al lugar de origen. Símbolo de memoria, energía e identidad continental, y expresión de una metafísica latinoamericana, la obra transforma la materia en comunicación. A cincuenta años de su creación el nido de hornero se instala en forma permanente en Pinamar.
Nido de hornero (de la obra Comunicando con Tierra), 1976 / 2026
Adobe sobre malla metálica y video.
Leeroy NewFilipinas
Leeroy New (Filipinas, 1986)
Vive y trabaja en General Santos. Artista multidisciplinario cuya práctica abarca la moda, el cine, el teatro, el diseño de producción, la performance y las artes visuales. Ha alcanzado reconocimiento internacional por su manera innovadora de transformar materiales descartados e industriales en esculturas e instalaciones fantásticas y provocadoras.
Su trabajo incorpora con frecuencia elementos de la cultura y el ingenio filipinos, trasladando materiales, saberes y narrativas locales al lenguaje del arte contemporáneo global. A través de su práctica, aborda también cuestiones sociales y ambientales, consolidándose como una figura relevante de la escena artística contemporánea de Filipinas.
Balete ni Mebuyan
Para Pinamar Contemporáneo 2026, el artista filipino Leeroy New proyecta una instalación destinada al espacio público. A partir de materiales recuperados, construye un organismo híbrido en el que confluyen naturaleza, deshecho y ciencia ficción. Su práctica retoma una sensibilidad arraigada en la cultura filipina: prolongar la vida de las cosas y transformar los residuos mediante el ingenio colectivo. Frente a la crisis ambiental, New no presenta el reciclaje como una solución suficiente, sino como una operación crítica y poética. La obra ensaya así un futuro posible, surgido de aquello que el presente desecha.
Balete ni Mebuyan, 2026
Tubo corrugado de plástico naranja, bidones de agua, precintos, tiras de bambú.
Medidas variables
DERIVA
Mariana Bellotto + Grupo Performático Sur
Performance site-specific
Deriva
Mariana Bellotto + Grupo Performático Sur
Performance site-specific
Acciones performáticas irrumpen en distintos puntos de Pinamar y transforman, por unos instantes, escenas de la vida cotidiana.
Acciones performáticas irrumpen en distintos puntos de Pinamar y transforman, por unos instantes, escenas de la vida cotidiana.
DIRECCIÓN ARTÍSTICA + CURADURÍA
Andrés Duprat
Dirección Artística
Andrés Duprat (1964)
Vive y trabaja en Buenos Aires. Es arquitecto, curador de arte y guionista de cine. Desde diciembre de 2015 y hasta la fecha es Director del Museo Nacional de Bellas Artes, de Argentina. Entre 2005 y 2015 fue Director de Artes Visuales del Ministerio de Cultura de la Argentina. Entre 2002 y 2003 dirigió el Centro de Arte de la Fundación Telefónica de Buenos Aires. Entre 1991 y 2002 dirigió el Museo de Bellas Artes de Bahía Blanca y desde 1995 al 2002 el Museo de Arte Contemporáneo de esa misma ciudad. Como curador de arte realizó más de un centenar de exposiciones en museos y centros de arte de Argentina y el exterior como el Pabellón de Arte Contemporáneo (PAC) de Milán, Italia; el CAFA Art Museum de Beijing, China; el Centro Wifredo Lam de La Habana, Cuba; Les Rencontres de la Photographie de Arles, Francia; The Smithsonian Institution de Washington, EUA; el Winzavod Centro de Arte Contemporáneo de Moscú, Rusia; la Casa de América de Madrid, España; el Museo Universitario del Chopo de México DF, México; Galería Gabriela Mistral, Matucana 100 y el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile; el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, Uruguay; el Museo de Arte Latinoamericano (MALBA), el Museo de Arte Moderno (MAMBA), el Museo Nacional de Bellas Artes, el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, Argentina, entre otros. Fue curador del envío argentino a la 57ª Exposición Internacional de Arte, la Biennale di Venezia, Italia. En 2021 fue condecorado como Chevalier des Arts et des Lettres de Francia y como Caballero de la Orden de la Estrella de Italia por su aporte al arte y la cultura. Ha ideado y escrito los guiones de la serie “Bellas Artes” (2023) y de los largometrajes de ficción “Competencia Oficial” (2021), “Mi obra maestra” (2018), “El ciudadano ilustre” (2016), “Querida voy a comprar cigarrillos y vuelvo” (2011), “El hombre de al lado” (2010) y “El artista” (2008) dirigidos por Mariano Cohn y Gastón Duprat, con los que ha obtenido reconocimiento internacional.
José Roca
Curador Invitado
José Roca (1962)
Vive y trabaja en Bogotá. Es un curador independiente. Es el curador de la 37 Bienal de Artes Gráficas de Ljubljana (2027). Fue el Director artístico de rīvus, 23 Bienal de Sídney, Australia (2022), y asesor curatorial de BOG25, Bienal Internacional de Arte y Ciudad de Bogotá, Ensayos sobre la felicidad (2025). Junto con su esposa Adriana Hurtado creó y dirigió FLORA ars+natura, espacio de creación contemporánea en Bogotá (2012-2022). Fue Curador Adjunto de Arte Latinoamericano Estrellita B. Brodsky en la Tate Gallery en Londres (2012-15), curador de la colección LARA, Singapur (2012-20), y manejó el programa de artes del Banco de la República en Bogotá (1994-2008). Roca fue co-curador de la I Trienal Poli/gráfica de San Juan, Puerto Rico (2004); la 27 Bienal de São Paulo, Brasil (2006); el Encuentro de Medellín MDE07 (2007), y curador de numerosas exposiciones en América latina, Estados Unidos, Europa y Asia. Fue Director Artístico de Philagrafika 2010 en Filadelfia (2010) y Curador General de la 8a. Bienal de Arte de Mercosul en Porto Alegre, Brasil (2011). Es autor de Transpolítico: Arte en Colombia 1992-2012 (con Sylvia Suárez); Waterweavers: A Chronicle of Rivers (con Alejandro Martín), publicado por el Bard Graduate Center en Nueva York en conjunto con la exposición Waterweavers: The River in Contemporary Colombian Visual and Material Culture (2014); Time For Change: Art and Social Unrest in the Jorge M. Pérez Collection (con NAME editions); y rīvus: A Glossary of Water (con Juan Francisco Salazar), publicado por la 23 Bienal de Sydney. Roca fue jurado de la 52 Bienal de Venecia (2007), y miembro del Comité de Premiación del Prince Claus Fund en Holanda (2012-16). Fue Becario Curatorial Helena Rubinstein del Whitney Independent Study Program (2001-2002), y Becario Curatorial Whitney-Lauder en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia (2003-2004). Recibió el CIFO Curatorial Achievement Award (2012) y el Premio Montblanc de la Culture (2017).
EL CIRCUITO
Cada obra está en el lugar que su artista eligió para trabajar.
Conocerlas es también descubrir el paisaje de otra manera.
TEMPORADA 1
NOVIEMBRE 2026 — ABRIL 2028
Desde el miércoles 4 de noviembre, el circuito se podrá recorrer de manera libre y gratuita.
Arte contemporáneo en Pinamar, porque una ciudad que genera cultura propia le da identidad a su paisaje.
Faltan para la primera vuelta
Miércoles 4 de noviembre · 11 hs